ALICATE - Too band to be Good (2026)

 

Choć początki szwedzkiego zespołu Alicate sięgają lat 80., to tak naprawdę grupa na dobre wystartowała dopiero w 2009 roku wraz z wydaniem swojego debiutanckiego albumu. 24 kwietnia ukazał się ich szósty krążek studyjny zatytułowany „Too Bad to Be Good”. To mieszanka melodyjnego hard rocka i AOR-u, wyraźnie inspirowana klasykami gatunku, takimi jak Foreigner, Survivor, Def Leppard czy Whitesnake. Nowy album to solidna dawka hard rocka w duchu lat 80.

Alicate konsekwentnie stawia na chwytliwość i sprawdzone rozwiązania. Liderem zespołu jest Jonas Erixon, którego głos robi duże wrażenie — łączy charyzmę, technikę i umiejętność budowania emocjonalnego klimatu. To rasowy rockowy wokalista. Erixon odpowiada również za partie gitarowe i w tej roli także wypada bardzo dobrze. Choć do ideału nieco brakuje, słychać wyraźnie pasję i autentyczną miłość do hard rocka. Zarówno riffy, jak i solówki stanowią wyraźny ukłon w stronę klasyki gatunku. Z kolei Marcus Zerath na klawiszach świetnie uzupełnia gitarowe zagrywki Erixona, dodając kompozycjom przestrzeni i charakteru. Całość brzmi bardzo klasycznie, wręcz oldschoolowo. Można jednak odczuć niedosyt większych hitów, co nieco obniża ogólną ocenę albumu.

Płytę otwiera „Changes” — lekki, rytmiczny numer będący wyraźnym hołdem dla estetyki lat 80. Tytułowy „Too Bad to Be Good” ukazuje bardziej przebojowe oblicze zespołu, czerpiąc inspiracje m.in. z twórczości Whitesnake. To prosty, ale bardzo skuteczny utwór, który łatwo wpada w ucho. Bardziej komercyjny charakter ma „One Shot” — radiowy kawałek, choć tu można już wyczuć lekki spadek formy. Romantyczny „Save Our Love” to klasyczna rockowa ballada, ponownie nawiązująca do stylu Whitesnake.

Na szczególną uwagę zasługuje „Mysterious” — energetyczny, chwytliwy utwór, w którym pobrzmiewają echa Deep Purple. To jeden z najmocniejszych punktów albumu. Nastrojowy „High on Livin” oddaje pełnię rockowego klimatu płyty, natomiast „Don’t Turn Around” wyróżnia się radosnym, radiowym charakterem i ma potencjał na prawdziwy hit.

„Too Bad to Be Good” to album doświadczonego i świadomego swojego stylu zespołu, który potrafi tworzyć solidny, wartościowy hard rock. Znajdziemy tu chwytliwe melodie, interesujące riffy i sporo muzycznej energii. Brakuje jednak większej liczby utworów, które mogłyby naprawdę zachwycić i na długo zapaść w pamięć. Mimo to jest to dobra płyta, pokazująca, że w hard rocku wciąż można znaleźć coś wartościowego. Najnowsze wydawnictwo Alicate to propozycja zdecydowanie godna uwagi.

Ocena: 7/10

GUS G - Steel burner (2026)

 

„Steel Burner” to szósty album studyjny greckiego wirtuoza gitary, Gusa G. W swojej solowej karierze artysta koncentruje się przede wszystkim na gitarowych popisach, osadzonych w klimatach hard rocka i heavy metalu. Po raz kolejny stara się udowodnić, jak utalentowanym jest instrumentalistą. Nie do końca jednak widzę sens powstawania tych płyt — ani pod względem jakościowym, ani stylistycznym nie robią one większego wrażenia. Materiał nie odbiega znacząco od tego, co można usłyszeć w Firewind.

Najnowszy album, „Steel Burner”, który ukazał się 24 kwietnia, to propozycja skierowana głównie do fanów talentu Gusa G. Na uwagę z pewnością zasługuje udział gości: Doro Pesch, Matta Barlowa i Ronniego Romero. Ich występy są wyraziste, a utwory z ich udziałem należą do najmocniejszych punktów wydawnictwa. Mimo to całość wypada przeciętnie i nie oferuje zbyt wiele świeżości. Album jest nierówny i nie wnosi nic nowego do dorobku artysty. Opiera się na dobrze znanych schematach, a szkoda, że elementy power metalu zostały tu zepchnięte na margines. Dominuje klasyczny heavy metal i hard rock.

Same kompozycje nie są złe, jednak brakuje im wyjątkowości, a poziom utworów jest nierówny. Klimatyczne klawisze i mocny riff sprawiają, że otwierający „Steel Burner” dobrze sprawdza się jako intro. Pozytywnie zaskakuje Doro w „Nothing Can Break Me” — utwór jest agresywny i chwytliwy. Gdyby cały album utrzymany był w takim stylu, byłby znacznie ciekawszy. Matt Barlow imponuje formą wokalną w mrocznym i dynamicznym „Dancing with Death”, gdzie wyraźnie czuć klimat Iced Earth. To jeden z najlepszych momentów na płycie.

„Advent” nie wyróżnia się niczym szczególnym i sprawia wrażenie utworu stworzonego bez wyraźnej koncepcji. „What If” z kolei jest nijaki i pozbawiony wyrazu. Niestety, pozostałe kompozycje również nie zapadają w pamięć. Nawet obecność Ronniego Romero nie jest w stanie znacząco podnieść poziomu materiału.

Szkoda czasu na solowe dokonania Gusa G. — całość sprawia wrażenie odrzutów z Firewind. Owszem, pojawiają się pojedyncze przebłyski, ale to zdecydowanie za mało, by stworzyć angażujący i satysfakcjonujący album. To płyta, której można posłuchać raz i szybko o niej zapomnieć. Lepiej poczekać na kolejny album Firewind.

Ocena: 4,5/10

GODSNAKE - Inhale the noise (2026)

 

To już 13 lat działalności niemieckiego Godsnake, który ma na koncie trzy albumy studyjne. Najnowsze wydawnictwo, Inhale the Noise, ukazało się 17 kwietnia nakładem Massacre Records. Zespół pozostaje wierny swojej stylistyce, konsekwentnie poruszając się w obrębie melodyjnego thrash metalu z wyraźnymi wpływami heavy i power metalu.

Muzycy wciąż czerpią inspiracje z takich zespołów jak Metallica, Annihilator, Trivium czy DevilDriver. Ich brzmienie łączy nowoczesną produkcję, agresję oraz melodyjność. Nowy album stanowi naturalną kontynuację poprzedniego wydawnictwa, choć można odczuć delikatny spadek formy.

W składzie zabrakło Peter Pietrzyński, jednak mimo tej zmiany zespół radzi sobie całkiem dobrze. Stefan Fuhrhop robi wiele, by materiał był zróżnicowany, dynamiczny i pełen energii — i w dużej mierze mu się to udaje. Nie sposób pominąć wokalisty Torger, który świetnie odnajduje się w tej stylistyce. Jego głos jest jednocześnie agresywny, pewny i pełen ekspresji, co znacząco podnosi jakość całości.

Okładka albumu wypada dość przeciętnie i nie zapada szczególnie w pamięć, za to produkcja stoi na wysokim poziomie — brzmienie jest mocarne, selektywne i dobrze oddaje charakter muzyki.

Jeśli chodzi o zawartość, warto wyróżnić bezpośredni i agresywny „Scream for a Bullet”, oparty na zadziornym riffie i solidnej sekcji rytmicznej. Jednym z najmocniejszych punktów jest melodyjny „Lost and Forgotten”, który ma wyraźny potencjał przebojowy. Tytułowy „Inhale the Noise” to rasowy thrash metal — intensywny, dynamiczny i bezkompromisowy.

Zespół próbuje także bardziej rozbudowanych form, czego przykładem jest sześciominutowy „Enemy of Great”. Kolejnym mocnym punktem płyty jest „Rotten to the Core” – utwór napędzany ciężkim riffem i zagrany z wyczuwalnym rozmachem. W „Place to Call Home” można wychwycić echa solowej twórczości Bruce Dickinson czy Rob Halford – utwór wyróżnia się mroczniejszym klimatem i wpadającą w ucho linią melodyczną.

Bezkompromisowy thrash powraca w „Digital Dumbass”, który momentami przywodzi na myśl dokonania Metallica czy Rage. „Fear Is the Key” prezentuje bardziej klasyczne, heavy metalowe oblicze zespołu — to solidny numer, choć bez większego efektu zaskoczenia. Całość zamyka „The Price We Have to Pay” — agresywny, energetyczny i bardzo udany finał, który pokazuje zespół w jego najmocniejszym wydaniu.

Po trzech latach przerwy Godsnake wraca z albumem wartościowym i dopracowanym. To propozycja dla fanów ciężkich riffów, szybkiego tempa i chwytliwych refrenów. Mimo lekkiego spadku formy względem poprzedniego wydawnictwa, „Inhale the Noise” pozostaje bardzo solidnym materiałem w swoim gatunku.

Ocena: 8/10

ELEGANT WEAPONS - Evolution (2026)

 

Richie Faulkner wyrósł na jednego z najbardziej intrygujących gitarzystów swojego pokolenia. Jako ważny filar Judas Priest tchnął w legendarną formację nową energię i świeżość, co wyraźnie słychać na albumach Firepower oraz Invincible Shield. Jednocześnie wypracował rozpoznawalny styl – osadzony w klasyce, lecz podszyty nowoczesną dynamiką – czerpiący inspiracje od takich mistrzów jak Ritchie Blackmore, Tony Iommi czy Glenn Tipton.

Z myślą o artystycznej niezależności powołał do życia projekt Elegant Weapons, który już debiutem z 2023 roku zaznaczył swoją obecność na scenie. Teraz, po trzech latach, zespół wraca z albumem „Evolution”.

Tytuł może sugerować rozwój i stylistyczne przetasowania, jednak w praktyce mamy do czynienia raczej z konsekwentną kontynuacją obranego wcześniej kierunku. Elegant Weapons nadal porusza się na styku klasycznego heavy metalu i rasowego hard rocka. Trzonem brzmienia pozostaje gitarowa ekspresja Faulknera – pełna finezji, melodyjnych fraz i sugestywnych solówek. Choć poziom wciąż jest wysoki, trudno oprzeć się wrażeniu, że tym razem zabrakło odrobiny świeżości i elementu zaskoczenia.

Na osobne wyróżnienie zasługuje Ronnie Romero, którego charyzmatyczny wokal znakomicie odnajduje się w tej konwencji. Jego interpretacje dodają utworom głębi i autentycznego, rockowego pazura.

Album, trwający ponad 50 minut, momentami traci impet przez nierówną selekcję materiału. Obok utworów znakomitych pojawiają się kompozycje jedynie solidne, co nieco rozmywa końcowy efekt.

„Evil Eyes” otwiera płytę w przewidywalnym, lecz efektownym stylu, z wyraźnymi odniesieniami do Judas Priest. Znacznie ciekawiej wypada „Generation Me”, w którym pobrzmiewają echa Black Sabbath – cięższe, bardziej klimatyczne brzmienie nadaje mu wyjątkowego charakteru. „Bridges Burn” i „Holler Roller” oferują solidną dawkę klasycznego grania, choć brakuje im wyraźnego punktu kulminacyjnego.

Chwilę oddechu przynosi bardziej liryczne „Come Back to Me”, utrzymane w balladowej stylistyce, natomiast „Thrown to the Wolves” imponuje swobodnym żonglowaniem wpływami Deep Purple i Rainbow. Mniej przekonująco wypada „Shooting Shadows”, który sprawia wrażenie nieco chaotycznego i niedopracowanego.

Kulminacyjnym punktem albumu jest bez wątpienia „Keeper of the Keys”. To ponad siedmiominutowa podróż przez esencję klasycznego heavy metalu i hard rocka – z wyraźnymi nawiązaniami do lat 70. i stylistyki Ritchie Blackmore. Monumentalna kompozycja, dopracowane aranżacje i znakomite partie gitarowe czynią z niej utwór, który wynosi cały album na wyższy poziom.

„Evolution” potwierdza potencjał Elegant Weapons i umacnia ich pozycję na scenie. To album pełen szacunku dla tradycji, solidnie zrealizowany i momentami błyskotliwy, choć nie tak porywający jak debiut.

Ocena: 9/10

HARDLINE - Shout (2026)

Fani głosu Johnny’ego Gioeliego mają w tym roku powody do zadowolenia. Najpierw ukazał się nowy album Axel Rudi Pell, a teraz – 17 kwietnia – swoją premierę miał najnowszy krążek hardrockowego Hardline zatytułowany „Shout”. Zespół działa od 1991 roku, ma na koncie osiem albumów studyjnych i od lat udowadnia, że potrafi sprawnie balansować między melodyjnym rockiem a cięższymi brzmieniami. W ich muzyce nietrudno doszukać się inspiracji takimi gigantami jak Whitesnake, Journey czy Foreigner. Nowe wydawnictwo jest w pewnym sensie próbą powrotu do hardrockowych korzeni znanych z „Double Eclipse”.

„Shout” to pierwszy album nagrany z udziałem gitarzysty Luki Princiotty, który bardzo dobrze wpasował się w stylistykę zespołu. Serwuje przyjemne dla ucha riffy, stawia na klimat i emocje, nie zapominając przy tym o charakterystycznym, rockowym feelingu. Całość brzmi spójnie i przekonująco. Johnny, jak zwykle, błyszczy formą i potwierdza swoją klasę jako wokalista. Istotny wkład wnosi także klawiszowiec Alessandro Del Vecchio – weteran sceny melodyjnego rocka i metalu – którego doświadczenie wyraźnie wzbogaca brzmienie płyty. Materiał jest przystępny, a jednocześnie pełen solidnego hardrockowego grania.

Album trwa 46 minut i dostarcza sporo muzycznej satysfakcji. Otwierający „Shout” to przebojowy numer, który doskonale oddaje esencję stylu Hardline. Równie chwytliwy i energiczny „Rise Up” szybko wpada w ucho i ma duży potencjał koncertowy. Z kolei „It Owns You” pokazuje umiejętne balansowanie między hard rockiem a heavy metalem, eksponując ostrzejsze oblicze zespołu oraz gitarowe umiejętności Princiotty.

Na płycie nie brakuje także bardziej melodyjnych momentów – „Mother Love” urzeka klimatem i emocjonalnym ładunkiem. Elementy heavy metalu powracają w dynamicznym „Rise Above Fear”, który również należy do mocniejszych punktów wydawnictwa. Bardzo dobrze wypada „Candy Love” – bujający, pełen energii utwór z chwytliwym refrenem, będący kwintesencją klasycznego hard rocka. Sporo pozytywnych emocji przynosi także gitarowy „I’m Leaning on It”, w którym nie brakuje pasji i instrumentalnych popisów. Warto wyróżnić również dynamiczny „Welcome to the Thunder”. Nawet ballada „Glow” prezentuje wysoki poziom – w połączeniu z wokalem Gioeliego tworzy poruszającą, pełną emocji kompozycję.

Hardline wraca po pięcioletniej przerwie z dopracowanym i przyjemnym w odbiorze materiałem. Nie brakuje tu przebojów, ciekawych riffów ani spójności kompozycyjnej. Choć nie jest to album pozbawiony wad, całość robi bardzo dobre wrażenie i potrafi na długo zapaść w pamięci. Fani hard rocka z pewnością znajdą tu coś dla siebie. Dla mnie to jedna z ciekawszych płyt Hardline.

Ocena: 7,5/10

WHIRLWIND -1640 (2026)

 

Debiutancki album hiszpańskiego zespołu Whirlwind skradł serca fanów heavy/power/speed metalu – zwłaszcza tych, którzy kochają twórczość Running Wild czy Blazon Stone. Formacja działa od 2012 roku i ma już na koncie dwa albumy studyjne. Z każdym kolejnym wydawnictwem nabiera rozpędu, udowadniając, że muzyki w klimatach Running Wild nigdy za wiele. Debiut był wyraźnie przesiąknięty inspiracjami twórczością Rock’n Rolfa i wypełniony przebojowymi numerami… a jak wypada drugi album?

„1640”, który ukazał się 24 kwietnia nakładem Dying Victims Productions, to swoista kontynuacja stylu i jakości znanych z „1714”. To kolejny hołd dla Running Wild. Może i nie ma tu ani krzty oryginalności, niczego przełomowego, ale zespół dostarcza ogromnej frajdy – szczególnie fanom, którzy tęsknią za czasami „Port Royal” czy „Death or Glory”. Tę właśnie lukę stara się wypełnić hiszpański Whirlwind.

Sposób konstruowania kompozycji, aranżacji i riffów wyraźnie nawiązuje do stylu Rock’n Rolfa. Robią to jednak na tyle umiejętnie, że słychać w tym autentyczną pasję i miłość do heavy metalu. Techniczne przygotowanie, dbałość o detale i talent muzyków to niewątpliwe atuty zespołu. Za każdym razem, gdy sięgam po ich muzykę, nie mogę wyjść z podziwu nad wokalem Hectora Llaurado – jego charyzma, drapieżność i siła robią ogromne wrażenie. Na uwagę zasługuje także gitarowy duet Wild/Julio, który stawia na klimat lat 80., sprawdzone patenty i chwytliwe solówki. Inspiracje Running Wild są tu oczywiste, ale w tym przypadku to zaleta, nie wada. Wszystko jest przemyślane i zapewnia słuchaczowi rozrywkę na wysokim poziomie.

Zespół potrafi znakomicie oddać klimat klasycznych płyt Running Wild, co słychać już w klimatycznym intro „1640”, przywodzącym na myśl erę „Death or Glory”. Nastrój ten kontynuuje rozpędzony „Days of Doom” – rasowy killer, który brzmi jakby powstało w złotej erze twórczości Running wild. Mocne otwarcie. Następnie otrzymujemy energetyczny „Rage of the Conqueror”, również utrzymany w duchu klasycznego Running Wild – pełen pasji i świeżości, przywołujący skojarzenia z „Pile of Skulls”.

W szybkich numerach Whirlwind czuje się najlepiej, ale w nieco wolniejszym „Winds of Ash and Dust” także wypada przekonująco – to chwytliwy, heavy metalowy kawałek o dużym potencjale przebojowym. Nieco słabiej prezentuje się „Lese Majesty”, który na tle reszty materiału wypada blado. Z kolei „Through Fire and Blood” ukazuje bardziej stonowane oblicze zespołu – to solidny utwór, choć brakuje mu wyrazistości i pomysłu, który wyniósłby go na wyższy poziom.

Whirlwind najlepiej odnajduje się jednak w szybkich, dynamicznych kompozycjach, czego dowodem jest „Ready to Explode”. „By the Blood on Our Veins” pełni rolę hymnu w stylu „Prisoners of Our Time” i brzmi naprawdę imponująco – to epicki, klasyczny heavy metal w najlepszym wydaniu. Na zakończenie otrzymujemy długi, rozbudowany „Marching to Victory”, który stanowi punkt kulminacyjny albumu i pokazuje, że zespół potrafi tworzyć epickie formy na poziomie Running Wild.

Hiszpański Whirlwind dołącza tym samym do grona takich zespołów jak Silverbones, Blazon Stone czy Lonewolf – formacji wiernie oddających ducha klasycznego Running Wild. Takich kapel zdecydowanie potrzeba więcej. „1640” może nie jest albumem roku i nie jest wolny od drobnych niedociągnięć, ale jako całość broni się znakomicie. To płyta pełna energii, przebojowości i ducha starego heavy metalu. Whirlwind jest obecnie na fali – oby w przyszłości kontynuowali tę obrana ścieżkę.

Ocena: 9/10

FIGHTER V - Deja Vu (2026)

 

Szwedzki Fighter V powrócił z nowym albumem zatytułowanym „Deja Vu”. To trzeci krążek w dorobku zespołu, który działa od 2019 roku. Formacja koncentruje się na melodyjnym hard rocku z wyraźną nutą AOR – to przystępne, radiowe granie z wpływami takich zespołów jak Bon Jovi, Survivor, Journey czy Foreigner. Grupa stawia na lekki klimat, chwytliwe melodie i potencjalne radiowe hity, co ma swój niezaprzeczalny urok. Płyta z pewnością przypadnie do gustu fanom tego stylu. Premiera odbyła się 10 kwietnia nakładem Frontiers Records.

Fighter V to przede wszystkim udana współpraca na linii gitarzysta Valentino Lobe – klawiszowiec Victor Olson. Muzycy stawiają na klasyczne brzmienie, lekkość, finezję i przebojowość. Partie klawiszy budują klimat i przywołują ducha lat 80. Mocnym atutem zespołu jest także wokalista Emmo Acar, który imponuje techniką, charyzmą i drapieżnością. Świetnie odnajduje się w hardrockowej stylistyce, a jego głos dodaje utworom charakteru. Klawisze wprowadzają momentami lekko kiczowaty, ale jednocześnie nostalgiczny klimat tamtej dekady – i wszystko doskonale ze sobą współgra.

Zawartość płyty jest dobrze wyważona i dostarcza wielu potencjalnych hitów. Energiczny „Ranging Heartbeat” to klasyczny hard rock w duchu lat 80. – mocny riff i chwytliwy refren sprawiają, że już na otwarciu otrzymujemy bardzo nośny utwór. Podobne emocje wywołuje melodyjny „Victory”, który momentami przywodzi na myśl Foreigner, Pretty Maids czy Europe. Zespół potrafi również zwolnić tempo i sięgnąć po bardziej romantyczne klimaty, inspirowane Whitesnake czy Foreigner, czego przykładem jest „Foolish Heart”.

Na albumie nie brakuje radiowych numerów – tytułowy „Deja Vu” łatwo wpada w ucho i zdradza pewne wpływy Def Leppard. Wokal Emmo Acara robi ogromne wrażenie, co słychać chociażby w „Stand By Your Side” – jego drapieżność i ekspresja zasługują na uznanie. Niezwykle melodyjny „Hold the Time” to kolejny ukłon w stronę klasycznego hard rocka lat 80., z motywem przewodnim, który brzmi znajomo, ale jednocześnie przyjemnie.

Fighter V błyszczy na tej płycie, pokazując serce do grania zarówno zadziornego, jak i nastrojowego hard rocka. Kolejnym wyróżniającym się utworem jest „Break Those Limits”, gdzie ponownie siłą napędową jest prosty, lecz bardzo chwytliwy motyw przewodni. Cieszy fakt, że zespół pozostaje wierny klasycznym rozwiązaniom zamiast eksperymentować na siłę.

Każdy, kto szuka klimatycznego, melodyjnego hard rocka w stylu lat 80., z wyraźnymi wpływami Survivor, Foreigner czy Bon Jovi, znajdzie to na nowym albumie Fighter V. Choć nie obyło się bez drobnych niedociągnięć, płyta jest bardzo przyjemna w odbiorze i dobrze oddaje esencję tego gatunku.

Ocena: 7/10

WARSENAL - Endless beginnings (2026)

 

Choć kanadyjski zespół Warsenal istnieje już od 14 lat, dotąd nie miałem okazji zetknąć się z jego twórczością. 10 kwietnia wytwórnia Massacre Records wydała trzeci album studyjny zatytułowany Endless Beginnings. Już sama okładka – klimatyczna i mroczna – skutecznie zachęca, by sięgnąć po to wydawnictwo. Warsenal to kolejna formacja poruszająca się w obrębie heavy/speed i thrash metalu, czerpiąca pełnymi garściami z klasyki pokroju Razor, Destruction czy Exciter. Miłośnicy szybkiego, agresywnego, a jednocześnie melodyjnego grania szybko odnajdą się w tej stylistyce.

Siłą napędową zespołu jest bez wątpienia jego lider, Mathieu Rondeau, odpowiedzialny zarówno za partie gitarowe, jak i wokalne. Śpiewa z dużą pasją i charakterystycznym pazurem, nadając kompozycjom wyrazisty, thrashmetalowy sznyt. Jego sposób interpretacji zdecydowanie przypadł mi do gustu. Również od strony gitarowej dzieje się tu sporo dobrego – słychać dbałość o różnorodność, klimat oraz wykorzystanie sprawdzonych, klasycznych rozwiązań. Całość utrzymana jest w oldschoolowym duchu, nawiązującym do płyt z lat 80., co stanowi istotny atut „Endless Beginnings”. Choć album nie wnosi nic przełomowego do gatunku i podąża utartymi ścieżkami, ta wtórność w tym przypadku nie razi.

Już otwierający „Mass Grave Mass” wywołuje dreszcze – to rasowy killer imponujący tempem, melodyjnością i pomysłowymi solówkami. Brzmi niczym zapomniany klasyk z lat 80., stanowiąc mocne wejście. Podobne emocje budzi zadziorny i przebojowy „Flying Fortress”, momentami przywodzący na myśl Enforcer na sterydach. Wyraźnie słychać tu również wpływy New Wave of British Heavy Metal. Najdłuższym utworem na płycie jest „Phantom Hope” – udana kompozycja utrzymana w heavy metalowej konwencji, pełna ciekawych rozwiązań i pozbawiona dłużyzn.

Kolejny numer, „Feeding the Wildfire”, to rozpędzony i agresywny speedmetalowy cios – dopracowany i energetyczny. Następnie pojawia się bardziej thrashowy „The Numbing”, który momentami przywołuje skojarzenia z twórczością Megadeth. Na pochwałę zasługuje również melodyjny i chwytliwy „Dawn Movers”, oparty na energetycznym riffie i nośnych liniach melodycznych – utwór dobrze oddaje potencjał zespołu. Na zakończenie dostajemy dwa nieco dłuższe kawałki – „Onward to Our Death” oraz „Endless Beginnings” – które podtrzymują obrany kierunek stylistyczny. Niestety, pod koniec albumu pojawia się pewna monotonia i brak elementu zaskoczenia.

Mimo kilku niedociągnięć i słabszych momentów, Warsenal prezentuje się bardzo solidnie. Słychać, że muzycy doskonale czują się w tej stylistyce i świadomie ją rozwijają. Dysponują dobrym warsztatem oraz ciekawymi pomysłami, co przekłada się na jakość materiału. To bardzo dobry album w swojej kategorii.

Ocena: 7,5/10

KILL OR CURE - The prisoner (2026)

 

Po 12 latach multiinstrumentalista Chris Brookes powraca z nowym albumem swojego zespołu Kill Or Cure. Na scenie metalowej działa od 2006 roku, a grupa ma na koncie dwa wydawnictwa. Najnowszy krążek, zatytułowany "The Prisoner", ukazał się 17 kwietnia i jest propozycją dla słuchaczy ceniących nowoczesny, drapieżny heavy metal z domieszką thrashu i groove metalu. Fundamentem całości są mocne riffy, agresywne zagrywki, przebojowość oraz chwytliwe melodie. To wszystko sprawia, że nowy album Kill Or Cure zdecydowanie zasługuje na uwagę. Dodatkowo stanowi on piękny hołd dla zmarłego gitarzysty Dana Hornera, który brał udział w tworzeniu partii gitarowych.

Jednym z największych atutów zespołu jest jego lider – Chris Brookes. Jego głos to prawdziwa ozdoba płyty. Można odnieść wrażenie, że jest to mieszanka wokalisty Persuader oraz Jo Amore z czasów Nightmare. Da się również wychwycić inspiracje Metalliką, jak i innymi zespołami z pogranicza groove metalu. Formacja porusza się w nowoczesnych brzmieniach, umiejętnie łącząc agresję gitar z wyraźną melodyjnością, co daje bardzo atrakcyjny efekt końcowy.

Na szczególne wyróżnienie zasługuje także Dan Hepner, który zaprezentował na płycie wysoki poziom umiejętności. To w dużej mierze dzięki niemu album jest zróżnicowany i pełen energii. Szkoda, że nie usłyszymy go więcej w tej roli, jednak pozostawił po sobie wyraźny ślad. Obecnie przejął on dodatkowe obowiązki w zespole. Całość słucha się z dużą przyjemnością – słychać tu pasję oraz przemyślany kierunek stylistyczny. Do ideału jednak nieco brakuje, ponieważ pojawiają się słabsze momenty. Mimo to album jako całość wypada bardzo dobrze.

Już otwierający płytę utwór "Uprising" pozytywnie nastraja – to dynamiczny, pełen energii kawałek zagrany z wyczuciem i rozmachem. Następnie otrzymujemy agresywny, momentami thrashowy "The Working Dead", który imponuje tempem i mocnym riffem. W "Fragments" zespół pokazuje swoje bardziej melodyjne, a zarazem przebojowe oblicze. "The Ascendings" skręca nieco w stronę rocka i ma bardziej komercyjny charakter, jednak przyjemnie buja. Niestety "100 Days" wypada dość blado – utwór nie wnosi wiele do całości i sprawia wrażenie niedopracowanego.

Na szczęście poziom wraca przy "The Remnant", który swoją agresją może przywodzić na myśl dokonania Persuader – to mocny punkt albumu. "The Bitter End" to z kolei energiczny numer utrzymany w stylistyce heavy i thrash metalu, w którym słychać inspiracje Metalliką. Album zamyka melodyjny "My Design", stawiający na klimat i bardziej emocjonalne brzmienie.

Kill Or Cure stworzył album wartościowy, nowoczesny i melodyjny, pełen mocnych riffów oraz chwytliwych momentów. Szkoda jedynie kilku słabszych fragmentów, które nieco obniżają końcową ocenę. Mimo to "The Prisoner" to przemyślana i interesująca mieszanka gatunkowa, której zdecydowanie warto dać szansę.

Ocena: 7/10

AGGRESSIVE PERFECTOR - Come creeping fiends (2026)

 

Mogłoby się wydawać, że sięgamy po album z kręgu death metalu lub innych brutalnych odmian heavy metalu – okładka Aggressive Perfector może być w tym względzie myląca. Owszem, znajdziemy tu spore pokłady black metalu w klimacie Venom czy wczesnego Running Wild, jednak muzyka Brytyjczyków czerpie również z innych nurtów ciężkiego grania. Słychać tu wpływy NWOBHM, dużo speed metalu, a także inspiracje zespołami pokroju Exciter czy Hellripper. Otrzymujemy więc mieszankę wybuchową, która nie do końca współgra z brutalną oprawą graficzną – i jest to bardzo przyjemne zaskoczenie.

„Come Creeping Fiends”, wydany 27 marca nakładem Dying Victims Productions, to album zdecydowanie wart uwagi. Aggressive Perfector działa od 2014 roku, a jego liderem jest Dan Chainshaw, odpowiedzialny za partie gitarowe i wokalne. Jego styl wokalny przywodzi na myśl blackmetalową ekspresję – jest surowy, agresywny i pełen energii, co doskonale współgra z charakterem muzyki zespołu.

Od strony instrumentalnej również nie ma miejsca na nudę. Chainshaw serwuje ostre riffy i speedmetalową dynamikę, a wszystko to podane jest z wyraźną pasją i zamiłowaniem do klasycznego heavy metalu. Co istotne, zespół nie zapomina o chwytliwych melodiach i przebojowości, dzięki czemu – mimo korzystania ze sprawdzonych schematów – materiał dostarcza sporo satysfakcji.

Wspominałem o wpływach Running Wild? Wystarczy włączyć otwierający „Dead undead”, który już od pierwszych sekund przemyca charakterystyczne zagrywki tej legendy. To prawdziwy hit – energetyczny, bezpośredni i niezwykle nośny. Zadziorny, nieco surowy „Strange Companion” również świetnie odnajduje się w heavy metalowej estetyce. Zespół nie zwalnia tempa – „Fiend in You” garściami czerpie z twórczości Motörhead i Iron Maiden, przenosząc słuchacza w klimat lat 80.

Nieco lżejszy, bujający „Like a Beast” wprowadza elementy NWOBHM, natomiast mroczny „Obscene Cult” przyciąga cięższym, bardziej ponurym klimatem. „Denied by the Reaper” to kolejny szybki, heavy/speedmetalowy killer – agresywny riff i tempo robią tu świetną robotę. Dalej dostajemy przebojowy i pomysłowy „Harlot’s Spell”, w którym ponownie wybrzmiewają chwytliwe melodie i bardziej klasyczne podejście do heavy metalu. Echa Running Wild powracają w rozpędzonym „Return of the Axe”, będącym kolejną perełką na płycie.

Aggressive Perfector stworzył album, który z powodzeniem łączy mrok i agresję z dużą dawką przebojowości. Materiał jest dopracowany i spójny, oferując atrakcyjną mieszankę heavy i speed metalu z domieszką blackmetalowej surowości. Co prawda brakuje tu momentami elementu zaskoczenia czy wyraźnego błysku geniuszu, jednak mimo drobnych niedociągnięć płyta robi bardzo dobre wrażenie i zdecydowanie zasługuje na uwagę.

Ocena: 8,5/10

CRIMSON GLORY - Chasing the hydra (2026)

 

Wielu fanów progresywnego power metalu od lat wyczekiwało powrotu jednej z najważniejszych gwiazd tego gatunku – Crimson Glory. Zespół powstał w 1983 roku i wydał kilka klasycznych albumów, po czym na długi czas zniknął ze sceny. Śmierć wokalisty Midnight pokrzyżowała dalsze plany grupy. Później jego miejsce zajął Wade Black, a w 1999 roku ukazał się ostatni jak dotąd album tej znakomitej formacji.

Modlitwy fanów zostały jednak wysłuchane – po 27 latach Crimson Glory powraca z nowym wydawnictwem zatytułowanym „Chasing the Hydra”. Płyta ukazała się 17 kwietnia i skierowana jest przede wszystkim do miłośników progresywnego heavy i power metalu, zwłaszcza fanów takich zespołów jak Queensrÿche, Savatage czy Fates Warning. Po tak długiej przerwie można było oczekiwać dzieła wybitnego – niestety, aż tak dobrze nie jest.

Pojawiały się obawy dotyczące nowego wokalisty i jego możliwości. Istniało ryzyko, że nie udźwignie materiału i zawiedzie oczekiwania słuchaczy. Na szczęście okazały się one bezpodstawne – Travis Wills to utalentowany artysta, którego głos świetnie wpisuje się w stylistykę zespołu. Potrafi budować napięcie i nadać utworom progresywny charakter. Jego potencjał jest wyraźnie odczuwalny.

Partie gitarowe są klimatyczne i utrzymane w progresywnym duchu, z wyraźnymi wpływami power i heavy metalu. Niestety, nie wszystkie kompozycje wypadają równie przekonująco i zdarzają się słabsze momenty. Mimo to całościowo album prezentuje się dobrze i przyjemnie się go słucha. Rozpoczyna on nowy rozdział w historii Crimson Glory, w którym wyraźnie słychać duży potencjał. Duet gitarowy Borgmeyer/Jackson jest zgrany i stawia na wyszukane melodie, interesujące motywy oraz progresywną złożoność. Słychać w tym wszystkim pasję i próbę nawiązania do najlepszych dokonań zespołu. Na plus należy zaliczyć również klimatyczną okładkę oraz dopracowane brzmienie.

Album trwa 47 minut i oferuje różnorodny materiał, w którym każdy znajdzie coś dla siebie. Wyraźnie czuć, że zespół postawił na budowanie atmosfery i progresywną formę, nie stroniąc przy tym od inspiracji wspomnianymi wcześniej grupami.

Płyta rozpoczyna się mocnym akcentem w postaci melodyjnego i przebojowego „Redden the Sun” – utworu, w którym wszystko się zgadza, a wokal Travisa robi ogromne wrażenie. Tytułowy „Chasing the Hydra” to z kolei kompozycja bardziej zróżnicowana, nastawiona na klimat i progresywność, która szybko zapada w pamięć. Dalej pojawia się spokojniejszy „Broken Together”, który jednak sprawia wrażenie przerostu formy nad treścią. Znacznie ciekawiej wypada „Angel in My Nightmare” – dynamiczny, bogaty w chwytliwe melodie i jeden z najmocniejszych punktów albumu.

Dobrze prezentuje się również energiczny „Indelible Ashes”, zachwycający pomysłowym riffem. Więcej agresji i pazura wnosi „Beyond the Unknown”, w którym zespół ponownie udowadnia swoją kreatywność, a mroczny klimat działa na korzyść kompozycji. „Armor Against Fate” to kolejny zadziorny utwór, który łatwo zapada w pamięć – szczególnie dzięki znakomitej formie wokalnej Travisa, momentami przywodzącej na myśl King Diamond. Na uwagę zasługuje także rozbudowany i pomysłowy „Pearls of Dust”, pokazujący ambicje zespołu w tworzeniu bardziej złożonych form.

Na przestrzeni całego albumu wyraźnie słychać potencjał i zaangażowanie muzyków. Cieszy fakt, że Crimson Glory powrócił na scenę. Szkoda jedynie, że zamiast arcydzieła otrzymaliśmy „jedynie” bardzo dobry album. Płyta ma swój klimat, oferuje interesujące riffy i solidne kompozycje, jednak momentami brakuje jej większej przebojowości i wyrazistej melodyjności.

Nowy wokalista pozytywnie zaskakuje i daje nadzieję na jeszcze lepsze wydawnictwa w przyszłości. Na ten moment jest to udany powrót, który zdecydowanie zasługuje na uwagę.

Ocena: 8/10

VICTORIUS - World war dinosaur (2026)

 

Na początku swojej kariery niemiecki Victorius stawiał na poważniejszy wydźwięk oraz rasowy, ostry i agresywny power metal, wyraźnie inspirowany twórczością Gamma Ray, Helloween czy wczesnych dokonań DragonForce. Towarzyszył temu mroczny klimat, który jednak w okolicach 2020 roku ustąpił miejsca zupełnie nowej estetyce. Zespół obrał kierunek znacznie bardziej słodki, bajkowy i momentami wręcz kiczowaty. W tekstach zaczęły pojawiać się dinozaury, rycerze, ninja czy smoki, jakby muzycy nadmiernie zainspirowali się stylistyką Power Rangers. Okładki płyt nabrały jaskrawych, niemal growych barw, a sam Victorius zaczął przypominać Gloryhammer czy współczesne oblicze DragonForce — przynajmniej pod względem wizualnym.

Obecny styl grupy jest zdecydowanie bardziej przystępny i może trafić do szerszego grona odbiorców, zwłaszcza tych, którzy chcą na chwilę wrócić do beztroskich, dziecięcych emocji. Miłośnicy klasycznego power metalu, dobrej zabawy, chwytliwych melodii i dużej dawki przebojowości — w duchu Bloodbound, HammerKing czy Gloryhammer — ponownie będą zachwyceni. Victorius pozostaje na fali, a album „World War Dinosaur” to bardzo udana kontynuacja stylu wypracowanego na ostatnich wydawnictwach. Choć krążek jest nieco słabszy od poprzednika, wciąż prezentuje dokładnie to, czego można oczekiwać od zespołu.

Na plus należy zaliczyć stabilność składu — za materiał odpowiadają ci sami muzycy co wcześniej, co wyraźnie przekłada się na spójność i jakość. David Bałbin to wokalista, który nadaje utworom przebojowości i charakterystycznego, power metalowego sznytu. Jego styl idealnie współgra z muzyką zespołu i stanowi jeden z jego znaków rozpoznawczych. Gitarzyści Flo i Dirk koncentrują się na dynamice, chwytliwych solówkach i nośnych riffach — bez zbędnego komplikowania, za to z wyraźnym naciskiem na energię i dobrą zabawę. Nowy album Niemców to kolejna kopalnia potencjalnych hitów. Mimo lekkiego spadku formy względem poprzedniego wydawnictwa, poziom wciąż pozostaje wysoki. Stylistycznie nie ma tu większych zaskoczeń — zespół konsekwentnie podąża obraną ścieżką.

Choć płyta zawiera 12 utworów, całość trwa zaledwie 44 minuty, co przekłada się na krótkie, dynamiczne i intensywne kompozycje. Album otwiera rozpędzony „Kingdom of the Strong”, który przywodzi na myśl klasyczne dokonania Freedom Call. Refren jest typowo słodki, chwytliwy i niezwykle nośny, a solówki pełne energii przywołują skojarzenia z Gamma Ray. To mocne otwarcie, które skutecznie zachęca do dalszego słuchania.

Marszowy i epicki „World War Dinosaur” zdradza inspiracje stylistyką Sabaton — refren buja i oddaje esencję power metalu. Lekki i przebojowy „Dino Race from Outer Space” czerpie garściami z twórczości Kaia Hansena, a wpływy Freedom Call czy Power Quest są wyraźnie słyszalne. To rasowy, energetyczny hit.

Singlowy „Raptor Squad attack” stanowi ukłon w stronę Sabaton i DragonForce — jest nieco kiczowaty, momentami przesłodzony, ale jednocześnie pełen energii i dynamiki. „Brachio Bazooka Battalion” wyróżnia się rozbudowanymi partiami klawiszowymi oraz niezwykle melodyjnym charakterem. Chwytliwy motyw gitarowy i lekka atmosfera sprawiają, że utwór szybko zapada w pamięć, a wpływy Bloodbound są tu wyraźnie słyszalne.

Nieco bardziej posępny klimat wnosi „March to War”, pokazując, że zespół potrafi urozmaicić materiał. „Evil Mean Megalodon” to solidny, choć mniej wyróżniający się fragment płyty. Znacznie ciekawiej wypada „Dino Power Resistance”, który ponownie odwołuje się do klasyki gatunku — wpływy Gamma Ray i Freedom Call są tu bardzo wyraźne, czyniąc z utworu prawdziwą power metalową petardę.

Podobne emocje wywołuje dynamiczny „Prehistoric Panzer Power” — esencja stylu Victorius. „Golden Glory” to kolejny szybki i niezwykle melodyjny numer z mocnym gitarowym otwarciem. Album zamyka „Lost Legacy” — szybki, oldschoolowy kawałek będący hołdem dla klasyki gatunku.

Osoby, które nie przepadają za słodkim i przerysowanym power metalem, raczej nie znajdą tu nic dla siebie. Jednak Victorius doskonale odnajduje się w tej konwencji, oferując kiczowaty, ale niezwykle chwytliwy i pełen energii materiał, w którym pobrzmiewają echa Helloween, Gamma Ray, Freedom Call czy Power Quest. Nowy album pozostaje nieco w cieniu poprzednika, ale wciąż stanowi prawdziwą ucztę dla fanów gatunku. Pozostaje pytanie, jak długo zespołowi wystarczy pomysłów w tej stylistyce — na razie jednak utrzymują wysoki poziom.

Ocena: 9/10

TORIAN - The lost legion rising (2026)

 

Na nową muzykę niemieckiej formacji Torian przyszło czekać aż osiem lat. Zespół wraca jednak z ogromnym zapasem energii i świeżymi pomysłami. Album „The Lost Legion Rising” ukaże się 8 maja nakładem Massacre Records. Co istotne, materiał nagrał ten sam skład, co bez wątpienia przełożyło się na jego spójność, jakość i przebojowość. Grupa nie zmarnowała tego czasu i przygotowała prawdopodobnie najlepszy album w swojej karierze. Dla fanów heavy i power metalu – zwłaszcza w stylistyce Orden Ogan, Helloween czy Gamma Ray – jest to pozycja obowiązkowa.

Uwagę przyciąga również dopracowana, klimatyczna okładka, pełna intrygujących detali. Muzycznie zespół postawił na mocne, drapieżne brzmienie, które doskonale współgra z całością. Słychać, że muzycy rozwinęli skrzydła i dopracowali swoją formułę względem poprzednich wydawnictw. Marc Hohlweck to rasowy wokalista power metalowy – swobodnie operuje wysokimi rejestrami i nadaje utworom chwytliwy, hymnów charakter. Fundamentem zespołu pozostaje jednak gitarowy duet Delius/Thielmann. Chemia między nimi jest wyraźnie wyczuwalna – to oni odpowiadają za potężne riffy i chwytliwe solówki. Dzięki nim płyta jest dynamiczna, zróżnicowana i pełna energii. Całość brzmi dojrzale, spójnie i po prostu świetnie się jej słucha.

Torian nie traci czasu i od razu przechodzi do ataku. Na otwarcie otrzymujemy pełen energii „Soul Vampires”. Już sam riff może przywodzić na myśl dokonania Bloodorn, a refren nawiązuje do podniosłych hymnów w stylu Orden Ogan. Zespół znakomicie balansuje między heavy a power metalem w przebojowym „Silver Demons” – prosta, lecz skuteczna formuła sprawdza się tu znakomicie. W rozpędzonym „Flame of Resistance” pobrzmiewają echa Gamma Ray, a utwór zaskakuje zarówno pomysłowością, jak i nośnym refrenem.

Energetyczny „Warpriest” porywa chwytliwością i przywołuje skojarzenia z Bloodbound czy Victorius. Z kolei „Iron Hammer” jest nieco bardziej stonowany i osadzony w klasycznym heavy metalowym klimacie, przywodząc na myśl HammerFall czy Iron Fire. Europejski power metal wraca w pełnej krasie w dynamicznym „Sons of the Damned”, który słucha się z dużą przyjemnością. Kolejnym hitem jest bez wątpienia wpadający w ucho „Lost Religion” – bez zbędnego kombinowania, za to z ogromnym wyczuciem melodii.

Mocnym punktem jest również rozpędzony „Sent to Hell”, który przywodzi na myśl klasyczne dokonania Gamma Ray czy Helloween – power metal w najczystszej postaci. Nawet ballada „Stand as One” broni się i wprowadza odpowiedni, nieco bardziej refleksyjny nastrój. Całość wieńczy „Katharsis” – rasowy power metalowy killer i znakomite podsumowanie albumu.

Torian najwyraźniej potrzebował chwili oddechu, by dopracować swój styl i wrócić ze zdwojoną siłą. Efekt jest imponujący – płyta dopracowana w każdym detalu, niemal ocierająca się o ideał. Charyzmatyczny wokalista, znakomita praca gitarzystów oraz wysyp przebojów sprawiają, że „The Lost Legion Rising” to jeden z najważniejszych albumów 2026 roku w kategorii power metalu.

Ocena: 9.5/10

KONQUEST - Dark Waters (2026)

 

Alex Rossi to kolejny utalentowany muzyk, który skrywa wiele artystycznych atutów. Stworzył własny projekt muzyczny pod szyldem Konquest – markę działającą od 2019 roku, skoncentrowaną na klasycznym heavy metalu inspirowanym takimi zespołami jak Judas Priest, Heavy Load, Iron Maiden czy Angel Witch. Konquest stawia na brzmienie silnie zakorzenione w estetyce lat 80. Do tej pory projekt zdołał zadowolić słuchaczy, więc nadszedł czas sprawdzić, czy po czteroletniej przerwie Alex nadal jest w formie. Album „Dark Waters” ukaże się 24 kwietnia i – moim zdaniem – jest to najlepsze dzieło Konquest.

Płyta została dopracowana pod każdym względem. Począwszy od klimatycznej okładki, przez soczyste, oldschoolowe brzmienie, aż po samą zawartość, która dostarcza mnóstwo satysfakcji. Alex Rossi jest w znakomitej formie, a postęp względem wcześniejszych wydawnictw jest wyraźnie słyszalny. Warstwa instrumentalna jest dynamiczna, spójna i pozbawiona potknięć. Duży nacisk położono na energię oraz chwytliwe melodie. Również wokalnie Alex zrobił krok naprzód, dzięki czemu całość brzmi jeszcze bardziej przekonująco. To prawdziwa uczta dla fanów klasycznego heavy metalu.

Album otwiera energiczny i przebojowy „Turn the Lights Off”, który przywodzi na myśl dokonania Heavy Load, Mindless Sinner czy Enforcer. Utwór pełen pasji i ducha lat 80. zachęca do dalszego słuchania. W podobnym klimacie utrzymany jest wpadający w ucho „Mindwanderer”. Z kolei riff w „One Ticket for One Ride” wyraźnie nawiązuje do „Jawbreaker” Judas Priest – pojawia się tu również lekki hardrockowy sznyt, co czyni ten numer kolejnym potencjalnym hitem. Dalej otrzymujemy bardziej klimatyczny i mroczny „Dark Waters”, w którym można doszukać się inspiracji twórczością Iron Maiden. Miłym dodatkiem jest instrumentalny „The Giant”, silnie osadzony w stylistyce klasycznych kompozycji Maiden – czuć tu autentyczny klimat lat 80. Melodyjny i dynamiczny „Over the Edge” to kolejny utwór, który łatwo zapada w pamięć. Album zamyka ośmiominutowy, rozbudowany „Kubla Khan” – początkowo nastrojowy, by z czasem nabrać mocy i epickiego charakteru. To bardzo dobre zwieńczenie całości.

Konquest konsekwentnie podąża obraną ścieżką, pielęgnując oldschoolowe brzmienie heavy metalu. Alex Rossi z powodzeniem przywołuje ducha lat 80., oferując materiał równy i dopracowany. Brak tu słabszych momentów, a album obfituje w chwytliwe kompozycje i wyraziste riffy. To zdecydowanie najciekawsze i najbardziej dopracowane wydawnictwo Konquest. Świetna robota, Alex – to kawał solidnego grania.

Ocena: 8.5/10

ASTRAL SPECTRE - Cosmic Mirage (2026)

 Oto kolejna przepiękna okładka roku 2026 w klimacie heavy metalowym. Intrygujące połączenie motywów egipskich z kosmiczną estetyką od razu przywodzi na myśl power metal, thrash, a nawet progresywny rock. A co tak naprawdę znajdziemy na „Cosmic Mirage”? Przede wszystkim solidną dawkę heavy metalu z domieszką black metalu oraz progresywnego rocka. Miłym dodatkiem są partie organów Hammonda, które nadają całości wyjątkowego charakteru i czynią ten album niezwykle interesującą propozycją.

Warto zaznaczyć, że niemiecki Astral Spectre to stosunkowo młody zespół, działający na scenie od 2020 roku. Kluczową postacią formacji jest Tenebros, odpowiedzialny za wokal, gitary oraz bas. To właśnie jego ekspresyjny, charyzmatyczny głos nadaje muzyce wyraźny blackmetalowy klimat. W składzie znajdziemy również Befanę, odpowiadającą za partie klarnetu, oraz Moroi’a, który zajmuje się perkusją. Wspólnie stworzyli materiał balansujący pomiędzy NWOBHM, klasycznym heavy metalem, black metalem oraz progresywnym rockiem lat 70. Całość uzupełnia lekka nutka przebojowości i mrocznego klimatu doom metalu. Album został zrealizowany z wyczuciem, rozmachem i dużą dawką kreatywności. „Cosmic Mirage” to trzeci album studyjny Astral Spectre, a zarazem – moim zdaniem – najciekawszy w ich dotychczasowym dorobku.

Płyta jest spójna, zwarta i treściwa – oferuje 47 minut muzyki dopracowanej pod względem detali, pełnej świeżości i pomysłowości. Wpływy progresywnego rocka lat 70. wyraźnie słychać w rozbudowanym „Stardrifter” – utworze klimatycznym, pełnym subtelnych smaczków i przy tym bardzo melodyjnym. Echa NWOBHM, przywołujące skojarzenia z Iron Maiden, pojawiają się w przebojowym „Chronomancer”, gdzie zespół pokazuje swoje bardziej chwytliwe oblicze. Na całym albumie można również wychwycić inspiracje twórczością Black Magick SS, utrzymane w podobnej estetyce. Z kolei wpływy Deep Purple pobrzmiewają w nastrojowym „The Demon’s Offer”, który skręca w stronę psychodelicznego i progresywnego rocka. To naprawdę wybuchowa mieszanka stylistyczna. Dynamiczny i energetyczny „The Witch’s Waltz” to prawdziwa petarda – jeden z najmocniejszych punktów albumu. Szczególną uwagę przyciągają dwa dziewięciominutowe kolosy. Klimatyczny „Death of Orsis”, przepełniony egipskimi motywami, stanowi prawdziwą muzyczną podróż – utwór płynie niespiesznie, wciągając słuchacza w swój magiczny świat. Znajdziemy tu wiele elementów progresywnych oraz inspiracji rockiem lat 70., co daje imponujący efekt końcowy. Album zamyka tytułowy „Cosmic Mirage” – również dziewięciominutowa kompozycja, będąca kolejną dawką emocji, orientalnych klimatów i zmiennych nastrojów. To prawdziwa muzyczna huśtawka, której słucha się z ogromną przyjemnością – i to właśnie stanowi o sile tej płyty.

Czy czegoś tu zabrakło? Być może odrobiny większej mocy i jeszcze większej przebojowości, które pozwoliłyby mówić o albumie idealnym. Nie zmienia to jednak faktu, że mamy do czynienia z wydawnictwem wyróżniającym się na tle innych. To eksplodująca mieszanka stylistyczna, ciekawe podejście do tematyki oraz wyraźna wizja artystyczna. Od początku do końca jest to fascynująca podróż, która na długo pozostaje w pamięci. Obok tej płyty nie da się przejść obojętnie.

Ocena: 9/10

THUNDERKILL - Global cataclysm (2026)

 

Nazwa Thunderkill niewiele mi mówiła, ale już sama okładka jasno sugeruje, że czeka nas solidna dawka oldschoolowego thrash metalu. Trzeba przyznać, że grafika przyciąga uwagę i zapada w pamięci – to wyraźny ukłon w stronę estetyki lat 80. Album „Global Cataclysm”, który ukazał się 10 kwietnia, to debiut zespołu tworzonego przez muzyków z Argentyny i Stanów Zjednoczonych. To prawdziwa gratka dla fanów wczesnego Megadeth, Anthrax czy Testament – klasyczny thrash metal w najlepszym wydaniu zawsze znajdzie swoich odbiorców.

Thunderkill to przede wszystkim projekt multiinstrumentalisty Keitha D, odpowiedzialnego za partie gitarowe i basowe. Zespół nie próbuje odkrywać Ameryki na nowo – bazuje raczej na sprawdzonych schematach gatunku. Muzyka bywa więc wtórna i odtwórcza, ale jednocześnie wykonana z dużą pasją i wyraźnym oddaniem dla thrash metalu. Specyficzny wokal Miny może jednak nie każdemu przypaść do gustu – jest agresywny i surowy, choć momentami utrudnia odbiór całości. Nie można mu jednak odmówić zaangażowania – robi wszystko, by materiał kipiał energią i drapieżnością. Ostatecznie album pozostaje spójny i potrafi dostarczyć sporo satysfakcji.

Zespół wyraźnie inspiruje się brzmieniem lat 80. i 90. Surowa, lekko „przybrudzona” produkcja oraz klimatyczna okładka dobrze wpisują się w tę konwencję. Sama muzyka również potrafi wpaść w ucho. Już na otwarcie dostajemy dynamiczny i rozbudowany „Global Cataclysm” – esencję speed/thrash metalu, którą kupuję bez zastrzeżeń. Nawet do mało technicznego wokalu można się z czasem przyzwyczaić.

W „Scorched” pojawia się bardziej heavy metalowy pazur i nieco toporny, ale skuteczny riff – to solidny kawałek, choć wokal ponownie zdradza pewne niedociągnięcia. Klasyczny thrash metal powraca w „Trauma Conditioning”, gdzie Mina stawia głównie na agresję i brutalność, kosztem techniki. Z kolei „Destroyer of Reality” wypada bardziej melodyjnie i różnorodnie, choć i tutaj nie brakuje drobnych mankamentów.

Pozostałe utwory utrzymane są w podobnym klimacie – nawet mroczny, bardziej stonowany „Dismantling the Mechanism” nie zaskakuje, choć wyraźnie nawiązuje do stylistyki Megadeth. Całość wieńczy agresywny „Beyond the Boiling Point”, który skręca nieco w stronę heavy metalu. Pojawia się tu chwytliwa melodia i łatwo wpadający w ucho refren – zespół pokazuje się z bardzo dobrej strony i daje nadzieję na rozwój.

Thunderkill postawił dopiero pierwsze kroki, ale mimo braku doświadczenia i pewności siebie wyraźnie słychać ich miłość do speed i thrash metalu. Zaangażowanie muzyków jest bezdyskusyjne, a przy dalszej pracy – zwłaszcza nad wokalem – formacja ma potencjał, by w przyszłości nagrać naprawdę interesujący materiał. Warto dać im szansę.

Ocena: 6.5/10

ELEGACY - Theory of Sin (2026)

 

Po 11 latach milczenia z nowym albumem powrócił włoski zespół Elegacy. Grupa działała od 2003 roku, by w 2017 zakończyć działalność. W 2025 doszło jednak do reaktywacji – co ważne, w niezmienionym składzie. Album „Theory of Sin” ukazał się 30 marca nakładem Elevate Records. Zespół nadal porusza się w klimatach progresywnego heavy/power metalu, wyraźnie inspirowanego twórczością Queensrÿche czy Fates Warning. Nowe wydawnictwo zdecydowanie zasługuje na uwagę, zwłaszcza dla fanów tego gatunku.

Na pochwałę zasługuje również oprawa albumu. Zarówno dopracowana, kolorystycznie przyciągająca okładka, jak i soczyste, pełne brzmienie robią bardzo dobre wrażenie. Jednym z najmocniejszych punktów zespołu pozostaje utalentowany wokalista Ivan Giannini, który znakomicie buduje napięcie i klimat. Potrafi zaskoczyć zarówno charyzmą, jak i techniką – to prawdziwy mistrz w swoim fachu. Równie dobrze wypada gitarzysta Massimo La Russa, stawiający na wyraziste riffy, różnorodność i progresywny charakter kompozycji. Całość brzmi świeżo i przemyślanie, co przekłada się na bardzo pozytywny odbiór. Te 47 minut z Elegacy mija szybko i niezwykle przyjemnie.

Album otwiera rasowy killer – „Theogenesis”. To agresywny, dynamiczny utwór z wyraźnym power metalowym pazurem. Już sam refren i główny riff pokazują klasę zespołu. Momentami można odnieść wrażenie, jakby słuchało się Masterplan – i jest to zdecydowanie komplement. Progresywny heavy/power metal wybrzmiewa także w treściwym i przebojowym „Wash Away the Blood”. Zespół prezentuje tu nowoczesne podejście i dużą świadomość kompozycyjną.

Tytułowy „Theory of Sin” to kolejny dowód na dbałość o detale – pełen smaczków i ozdobników utwór, w którym klawiszowiec Terzago wyraźnie zaznacza swoją obecność. Bardziej bezpośredni charakter ma melodyjny „Angel”, który przywołuje ducha lat 90. i klasycznego europejskiego power metalu. Do bardziej złożonych i mrocznych momentów wracamy w „The Eye of Horus”.

Nieco słabiej wypada spokojniejszy i bardziej komercyjny „Until Tomorrow Comes”, który stanowi najdelikatniejszy punkt albumu. Na szczęście poziom szybko wraca do normy za sprawą agresywniejszego i bardziej drapieżnego „My Reckoning”, gdzie zespół ponownie błyszczy w progresywnym wydaniu. Na finał otrzymujemy klimatyczny, rozbudowany „Crazy King”, który skutecznie przyciąga uwagę i zamyka płytę w bardzo dobrym stylu.

Elegacy powrócił w znakomitej formie, nagrywając – moim zdaniem – najciekawszy album w swojej dyskografii. To dopracowane wydawnictwo, pełne solidnych kompozycji, które świetnie sprawdzają się w odsłuchu. Nie brakuje tu drapieżnych riffów, pomysłowości i muzycznej dojrzałości. Choć do absolutnego ideału odrobinę zabrakło, nie zmienia to faktu, że jest to płyta zdecydowanie warta uwagi.

Ocena: 8/10

METAL CHURCH - Dead to rights (2026)

 

W historii zespołu Metal Church działo się naprawdę sporo. Była era Davida Wayne’a, później Mike’a Howe’a, a najdłużej miejsce za mikrofonem zajmował Ronny Munroe. W pewnym momencie ogłoszono nawet koniec działalności zespołu i jego swoistą „emeryturę” w 2009 roku. Później jednak grupa ponownie się reaktywowała ze składem z Munroe, aż w końcu powrócił Howe – spełniając marzenie wielu fanów Metal Church.

Album „XI” to jeden z moich ulubionych krążków w dorobku zespołu – w pełni oddaje to, co w nim najlepsze. Szkoda jedynie, że zarówno Mike Howe, jak i wcześniej David Wayne odeszli. Śmierć niestety często dotyka muzyków związanych z Metal Church.

Mimo tych tragedii zespół nie poddał się i zebrał siły na nowo. Wokalistą został Marc Lopes, z którym nagrano równie udany album „Congregation of Annihilation” (2023), przywołujący ducha dawnych wydawnictw.

W 2025 roku pojawiła się natomiast informacja, że Kurdt Vanderhoof praktycznie zebrał nowy skład. Wśród fanów wywołało to pewną konsternację – niewiele było jasne co do powodów tych zmian, które zna zapewne tylko sam Kurdt. Tak narodził się nowy rozdział Metal Church, otwierany albumem „Dead to Rights”. Pytanie brzmi: czy to powrót do korzeni, czy raczej kontynuacja dotychczasowej drogi zespołu?

Każdy z fanów wciąż po cichu liczy na powrót do poziomu debiutu czy „The Dark”. Trudno jednak dorównać perfekcji i wyjątkowej atmosferze lat 80. Metal Church często próbuje nawiązywać do tamtej estetyki – poprzez agresję i thrashmetalowe elementy. Również ostatnie płyty z Marcem Lopesem oraz najnowszy krążek idą w tym kierunku. To dobra cecha, choć jednocześnie można je zestawić z okresem Munroe, choćby z albumami „The Weight of the World” czy „Generation Nothing”.

Obecnie Metal Church brzmi jak na swoich ostatnich wydawnictwach – to mieszanka heavy metalu, thrash metalu i odrobiny power metalu. Nie brakuje mocnych riffów i chwytliwych melodii, choć momentami brakuje tego „iskrzenia geniuszu”. Mimo wszystko jest to album, na który fani czekali od dawna.

Ogromnym atutem jest tu gwiazdorski skład. Na basie pojawił się David Ellefson, który wyraźnie wzbogaca brzmienie zespołu – bas nie brzmiał tak dobrze w Metal Church od lat. Świetną robotę wykonuje również perkusista Ken Mary (Flotsam and Jetsam), wnosząc dynamikę i energię, miejscami ocierającą się o thrashmetalową furię.

Na uwagę zasługuje także wokalista Brian Allen (Vicious Rumors), który idealnie odnajduje się w stylistyce zespołu. Jego głos przypomina Davida Wayne’a, a momentami słychać w nim echa Mike’a Howe’a czy Ronneya Munroe. Wykonuje znakomitą pracę i często maskuje drobne niedociągnięcia instrumentalne. Kurdt.dwoinsienintroi, żeby album był atrakcyjny dla słuchacza pod względem riffów i partii gitarowych.

Okładka momentami sprawia wrażenie generowanej przez AI, ale nadrabia klimatem i bogactwem detali. Brzmienie płyty jest surowe, agresywne i dobrze wpisuje się w thrashmetalową estetykę.

Najbardziej cenię zespoły, które nie bawią się w wstępy i od razu przechodzą do ataku – i tutaj właśnie tak jest. Otwierający „Brainwashed Game” stawia na szybkość, agresję i thrashmetalowy pazur. Słychać w nim echa „Generation Nothing” czy „Reset”. Taki Metal Church zawsze działa na mnie najlepiej – nie dziwi więc, że ten utwór promował album.

Drugi singiel, „F.A.F.O.”, jest najbliższy pierwszym płytom zespołu – mocny riff, thrashmetalowy klimat i bezkompromisowy wokal Briana, który brzmi jak duch Davida Wayne’a. Tytułowy „Dead to Rights” również prezentuje się klasycznie – ma w sobie coś z „Hanging in the Balance”, ale też z ery Munroe. To jeden z najlepszych utworów na płycie.

„Deep Cover Shakedown” to nieco bardziej toporne połączenie heavy i thrash metalu – typowy, rozpoznawalny Metal Church. „Feet to Fire” stawia z kolei na bardziej melodyjną stronę, choć brakuje mu nieco energii znanej z wczesnych lat. Mimo to słucha się go bardzo przyjemnie.

Thrashowy charakter powraca w rozpędzonym „The Show”, który momentami przywołuje klimat „The Dark”. Z kolei „Heaven Knows” wyróżnia się świetnym wejściem Kena Mary’ego i dobrze wyważoną mieszanką energii oraz melodii.

„No Memory” to kolejny klasyczny numer w stylu Metal Church – bez większych niespodzianek, ale solidny. W „Wasted Time” pojawia się pewna powtarzalność i schematyczność znana z ostatnich lat, choć Brian Allen ponownie ratuje sytuację swoim wokalem. Finałowy „My Wrath” stawia na tempo i agresję, stanowiąc bardzo dobre domknięcie całości.

Patrząc na bogatą dyskografię Metal Church, można śmiało stwierdzić, że nowy album plasuje się wśród ich lepszych wydawnictw. Jest tu więcej thrashmetalowej energii, więcej dynamiki i ogólnej drapieżności. To wciąż Metal Church znany z ostatnich lat, ale w bardziej dopracowanej i wyrównanej formie.

Płyta jest bardzo dobra, a momentami wręcz świetna. Pozostaje jednak lekkie rozczarowanie – przy tak gwiazdorskim składzie można było oczekiwać absolutnego albumu roku. Tym razem się to nie udało.

Ocena: 9/10

MYRATH - Wilderness of mirrors (2026)

Myrath zdążył już wypracować sobie silną markę i jest doskonale znany fanom progresywnego heavy/power metalu z nutą bliskowschodniego folku. Świeżość oraz pomysłowość zawsze były znakiem rozpoznawczym tej słynnej kapeli z Tunezji. Po dwóch latach przerwy zespół powraca z siódmym albumem studyjnym zatytułowanym „Wilderness of Mirrors”, który ukazał się 27 marca nakładem earMusic. Niestety tym razem da się odczuć lekki spadek formy w porównaniu z poprzednimi wydawnictwami.

Z jednej strony wciąż słychać charakterystyczny styl, do jakiego Myrath zdążył nas przyzwyczaić. Nie brakuje intrygujących melodii i progresywnego sznytu, jednak gdzieś po drodze ulotniła się dawna przebojowość i odrobina tajemniczości. Zespół dostarcza solidny materiał, ale całość brzmi bardziej komercyjnie i zdecydowanie mniej zadziornie. Momentami można odnieść wrażenie, że muzycy celowo próbują dotrzeć do szerszego grona odbiorców. Niestety niekiedy ociera się to o kicz i brak wyrazistego charakteru.

Na gitarze wciąż czaruje Malek Ben Arbia, który potrafi wyczarować interesujące riffy i pomysłowe melodie. Wszystko brzmi bardzo estetycznie, jednak dominują tu raczej stonowane i spokojniejsze brzmienia. Owszem, budują one nastrój i mają swój klimat, ale brakuje w nich prawdziwego metalowego pazura. Za mikrofonem niezmiennie stoi Zaher Zorgati, którego wokal idealnie pasuje do takiej klimatycznej, bardziej wyważonej muzyki. Mimo to spodziewałem się materiału utrzymanego w nieco innym tonie.

Już otwierający album „The Funeral” wprowadza baśniowy nastrój, choć zastosowane chórki i liczne ozdobniki z czasem mogą nieco irytować. Sam riff i warstwa instrumentalna prezentują się jednak interesująco. W utworze „Until the End” pojawia się gościnnie Elize Ryd z Amaranthe — to rasowy hicior, który błyskawicznie wpada w ucho. Do grona ciekawszych kompozycji należy także podniosły i przebojowy „Breathing Near the Road”, w którym pojawiają się emocje, dobry klimat i pomysłowość. Na płycie znajdziemy również rytmiczny i niezwykle melodyjny „Les Enfants du Soleil”, choć i tutaj wciąż brakuje heavy metalowego ognia. Z kolei klaskanie w „Still the Dawn” może odstraszać, bo momentami przywodzi na myśl popowe schematy. To raczej zbędny utwór, który niewiele wnosi do całości. Znacznie ciekawiej wypada „The Clown” — melodyjny i pomysłowy numer pełen pozytywnej energii i drapieżności. Wreszcie zaczyna się coś dziać. Dalej mamy równie udany „The Edge of Night”, gdzie pojawia się więcej heavy metalowego pazura. To zdecydowanie jeden z najmocniejszych momentów na płycie. Końcówka albumu przynosi już klimat starego, dobrego Myrath, którego tak bardzo cenię. Podniosły i egzotyczny „Echoes of the Fallen” imponuje rozmachem, ciekawym motywem przewodnim i chwytliwym refrenem — prawdziwa klasa. Płytę zamyka równie majestatyczny i pełen smaczków „Through the Seasons”.

Nowy album Myrath ma swoje znakomite momenty i szkoda, że cały materiał nie utrzymuje poziomu zbliżonego do finałowej części płyty. Niestety pojawiają się także słabsze fragmenty, niepotrzebny kicz i zbyt wyraźne ukłony w stronę komercji. Mimo wszystko warto dać tej płycie szansę, choć nie jest to już ten sam wysoki poziom, do którego zespół zdążył nas przyzwyczaić. Na minus zaliczyłbym również okładkę, która wygląda jak wygenerowana przez sztuczną inteligencję.

Ocena: 7/10

ABORCJA - Do krzyża abarotem (2026)

 Czas na kolejne wydawnictwo z polskiej sceny metalowej. Tym razem na tapet trafia debiutancki album pochodzącej z Rzeszowa formacji Aborcja. Od 2022 roku zespół publikował dema i single, aż w końcu przyszedł czas na pełnometrażowy materiał. „Do krzyża abarotem” ukazał się 26 marca i jest propozycją skierowaną przede wszystkim do maniaków oldschoolowego thrash metalu w duchu takich zespołów jak Sodom, Kreator czy Slayer. Grupa stawia na klasyczne patenty, agresję oraz dużą dawkę dynamiki, budując solidne fundamenty pod udany thrashmetalowy album.

Kluczową rolę w Aborcji odgrywa Michał Szafran, odpowiedzialny za agresywne i drapieżne partie wokalne. Jego sposób śpiewania jest brutalny, bezpośredni i mocno zakorzeniony w estetyce klasycznego thrashu. Z kolei Wojciech Bendarczyk i Kacper Szymczycha odpowiadają za potężne riffy, pełne energii solówki oraz charakterystyczne gitarowe zagrywki. Dzięki nim płyta nabiera drapieżności, jest dopracowana i stosunkowo łatwo wpada w ucho. Momentami można odczuć brak większego urozmaicenia czy elementu zaskoczenia, jednak w obranej przez siebie formule zespół wypada naprawdę solidnie. Warto też podkreślić, że muzycy sami odpowiadają za miks, wydanie płyty i całą resztę produkcyjnych obowiązków – za to należą im się duże brawa.

Klimatyczna okładka bardzo dobrze oddaje charakter i zawartość albumu – już na pierwszy rzut oka wiadomo, że mamy do czynienia z rasowym thrash metalem.

 Płyta jest zwarta i konkretna: dziewięć utworów zamyka się w około 35 minutach muzyki. Zespół od początku nie bierze jeńców. Już na starcie dostajemy agresywny i dynamiczny „Nietuzinkowa afera grabarska”, który oferuje ciekawe przejścia, mroczny klimat oraz wyraźne odwołania do klasyki gatunku. Echa Kreatora czy Sodoma pobrzmiewają w rozpędzonym „Kazamaty”. To proste, niewyszukane granie, ale jednocześnie niezwykle satysfakcjonujące. Zespół potrafi też sięgnąć po bardziej melodyjne rozwiązania i zahaczyć o speedmetalową estetykę, co dobrze słychać w „Ciosy mistrza karata”. W takim wydaniu formacja prezentuje się naprawdę przekonująco. Prostolinijny, przystępny thrash metal otrzymujemy również w energicznym „Strażniku”. Nutę grozy wprowadza „Lalkarz”, który mimo bardziej mrocznego klimatu wciąż stawia na szybkość i brutalność. W dalszej części albumu pojawiają się jeszcze szybki „Samosąd” oraz bardziej melodyjny „Świński lament”. Finał płyty przynosi kolejny solidny i drapieżny numer – „Zabić pozera”. W niektórych momentach daje się jednak odczuć pewna wtórność i schematyczność kompozycji.

Debiutancki album Aborcji to propozycja skierowana przede wszystkim do zagorzałych fanów thrash metalu. Zespół stawia na agresję, wysokie tempo i klasyczne rozwiązania gatunkowe. Być może momentami jest to muzyka nieco naiwna i prosta w swojej konstrukcji, ale jednocześnie dostarcza sporo czystej frajdy. Słychać w tym wszystkim autentyczną miłość do thrashu oraz ogromne zaangażowanie młodych muzyków. Zdecydowanie warto dać im szansę.

Ocena: 8/10

NERVOSA - Slave machine (2026)

 

Moja przygoda z brazylijskim zespołem Nervosa zaczęła się od albumu Perpetual Chaos z 2021 roku. Wówczas czteroosobowy skład, złożony wyłącznie z kobiet, skradł moje serce. Zespół znakomicie łączy elementy thrash metalu i death metalu, stawiając przede wszystkim na agresję, szybkość i melodyjność. Potrafią postawić na świeżość i pomysłowość, nie tracąc przy tym na atrakcyjności ani nowoczesności brzmienia. Nie boją się czerpać z klasyki gatunku, ale jednocześnie wypracowały własny, rozpoznawalny styl.

Nervosa to również zespół, który dość często przechodzi zmiany personalne. W 2025 roku do składu dołączyła basistka Emmelie Herwegh, a w 2026 roku powróciła perkusistka Michaela Naydenova. W takim zestawieniu personalnym zespół prezentuje światu album Slave Machine. Szósta płyta studyjna ukazała się 3 kwietnia nakładem Napalm Records. To kolejny bardzo mocny punkt w dyskografii grupy. Nervosa nie zwalnia tempa i dostarcza materiał najwyższej próby. Na taki album fani z pewnością czekali.

Tradycyjnie zespół zadbał o przyciągającą wzrok okładkę, utrzymaną w mrocznym, wręcz deathmetalowym klimacie. Również samo brzmienie stoi na bardzo wysokim poziomie i jest dopracowane w każdym detalu. Świetnie współgra z zawartością muzyczną płyty. Na albumie znajdziemy wszystko to, do czego Nervosa zdążyła już przyzwyczaić swoich słuchaczy. Zespół nie eksperymentuje na siłę i konsekwentnie podąża swoją ścieżką. Stylistycznie balansuje między melodyjnym death metalem a thrash metalem. Słychać tutaj wpływy takich formacji jak Arch Enemy, Sodom, Destruction czy Holy Moses.

Nervosa nadal prezentuje bardzo wysoki poziom, a pięć utalentowanych kobiet daje prawdziwy popis swoich umiejętności. Lata mijają, skład się zmienia, lecz Nervosa to przede wszystkim Prika Amaral, która odpowiada za partie wokalne. Jej wokal jest pełen agresji i mroku – idealnie pasuje do takiego grania. Nowy album to kolejny udany przykład świetnej współpracy w partiach gitarowych. Amaral i Helena Kotina potrafią porwać słuchacza i dostarczyć mu mnóstwo muzycznej satysfakcji. Panie doskonale wiedzą, jak grać na wysokim poziomie. Wyraźnie słychać między nimi muzyczną chemię, która przekłada się na jakość kompozycji.

Cały album wypełniony jest intrygującymi solówkami oraz zapadającymi w pamięć riffami – prawdziwa klasa sama w sobie. Sekcja rytmiczna również nie pozostaje w tyle i odpowiada za dynamikę całej płyty. Każda z muzyczek wykonuje świetną robotę, a razem tworzą zespół, który wydaje się nie do zatrzymania.

Jeśli ktoś ma jeszcze jakiekolwiek wątpliwości, powinien po prostu włączyć tę płytę i samemu przekonać się o talencie zespołu. Album zawiera aż 12 utworów, choć całość trwa zaledwie 42 minuty. Otwierający “Impending Doom” buduje napięcie i wprowadza tajemniczy klimat. To zróżnicowany i niezwykle agresywny utwór. Zespół nie bierze jeńców – a to dopiero początek.

Tytułowy “Slave Machine” to rasowy killer i właśnie w takim wydaniu Nervosa prezentuje się najlepiej. Tutaj wszystko brzmi perfekcyjnie – brawo Nervosa. Nowoczesny charakter można wychwycić w deathmetalowym “Ghost Notes”, który jest nieco bardziej stonowany i cięższy w odbiorze. Agresja oraz mieszanka death metalu i thrash metalu napędzają pomysłowy “Beast of Burden”.

Nutka heavy metalu pojawia się w stonowanym i ciekawie zaaranżowanym “You Are Not a Hero”. Takie urozmaicenie jest na tej płycie bardzo potrzebne. Zespół potrafi również postawić na chwytliwe melodie i bardziej przebojowy charakter, co znakomicie potwierdza “Hate”. To bardzo mocny numer, a praca gitar zasługuje na szczególne uznanie.

Dalej zespół serwuje kolejne killery w postaci “The New Empire” oraz “30 Seconds”. Bardzo dobrze wypada również zadziorny i dopracowany “Crawling for Your Pride”. Prawdziwą perełką jest “The Call”, gdzie dostajemy rozpędzony thrashmetalowy utwór w melodyjnej odsłonie – prawdziwa petarda. Na zakończenie pojawia się nieco przekombinowany i mroczny “Speak in Fire”. Niestety brakuje mu odpowiedniej mocy i jako finał albumu wypada trochę zbyt mało wyraziście.

Nervosa utrzymuje wysoką formę i ponownie wydała znakomity album z pogranicza thrash metalu i death metalu. Muzyczki doskonale znają swoją wartość i potrafią stworzyć świetny, dopracowany materiał. To nie pierwszy raz, gdy Nervosa pokazuje klasę i talent do komponowania znakomitych utworów. Brawo Nervosa – oby tak dalej. Oby jak najwięcej takich płyt.

Ocena: 9/10

LIONS SHARE - Inferno (2026)

 To jedna z tych płyt, na które czekałem od dłuższego czasu. Szwedzki Lions Share istnieje od 1987 roku, a ich poprzedni album ukazał się w 2009 r. „Dark Hours” to w swoim gatunku płyta niemal idealna – prawdziwa perełka i, moim zdaniem, najlepszy album w dorobku zespołu. To kopalnia hitów i rasowych metalowych killerów. Po jego wydaniu zespół na długi czas zamilkł, publikując jedynie pojedyncze utwory. Na nowy pełnowymiarowy album trzeba było czekać bardzo długo. W końcu 27 marca ukazał się najnowszy krążek zatytułowany „Inferno”.

Nie jest to jednak wielka niespodzianka, ponieważ album w dużej mierze zbiera utwory publikowane przez zespół w ostatnim czasie. To solidna płyta, choć momentami bardziej przypomina materiał z solowej kariery Nilsa Patrika Johanssona niż klasyczny album Lions Share. W porównaniu z wcześniejszymi wydawnictwami czuć pewien niedosyt i rozczarowanie. To już nie ten sam poziom i klasa, co na „Dark Hours”.

Skład zespołu uległ pewnym zmianom. Na szczęście nadal obecny jest wokalista Nils Patrik Johansson, który potrafi budować mroczny klimat i momentami przywodzi na myśl charyzmę oraz styl śpiewania Ronniego Jamesa Dio. Niestety można też odczuć lekki spadek formy. Za gitarę wciąż odpowiada Lars Chriss – jego partie są solidne i profesjonalne, jednak brakuje w nich elementu zaskoczenia. Całości brakuje pomysłowości i takiej dawki przebojowości, jaką znamy z „Dark Hours”. Miejscami słychać raczej inspiracje solową twórczością Nilsa czy klimatem Dio niż charakterystycznym stylem Lions Share. Trochę za mało Lions Share w Lions Share.

Na basie pojawia się Andreas Loos, który wcześniej współpracował z zespołem, lecz tym razem występuje jako muzyk sesyjny. Podobną rolę pełni Nils Fredrik Johansson, syn wokalisty, który odpowiada za partie perkusji. Sam skład nie stanowi jednak problemu – większym mankamentem jest jakość kompozycji i aranżacji. Całość brzmi dobrze i solidnie, ale brakuje błysku geniuszu oraz tej potężnej energii, którą słychać było na „Dark Hours”.

Pewne niedopracowanie można odczuć również w brzmieniu, a sama okładka sprawia wrażenie nieco kiczowatej. Można było przygotować ją zdecydowanie lepiej.

Album otwiera mroczny i agresywny „Pentagram” – udany numer, choć już tutaj można zauważyć lekki spadek formy. Zespół utracił część dawnego blasku i świeżości. O wiele ciekawiej wypada przebojowy „We Are What We Are”, oparty na zadziornym riffie i chwytliwym refrenie. To prawdziwy hit w duchu poprzednich płyt. Fanom Dio z pewnością przypadnie do gustu „We Will Rock” – już sam tytuł sugeruje, czego można się spodziewać. To udany utwór, który stylistycznie mógłby znaleźć się na płytach Astral Doors.

Bardzo dobrze wypada również stonowany, bujający „The Lion’s Trial”, który przenosi słuchacza w klimaty Dio i Black Sabbath. To kolejny mocny punkt albumu. Z kolei ponury i ciężki „Baptized in Blood” jest poprawny, ale nie wzbudza większych emocji – brakuje mu wyrazistości. Znacznie lepiej prezentuje się chwytliwy „Live Forever”, który łatwo wpada w ucho. Do takiego grania Lions Share zdążyli już swoich fanów przyzwyczaić i właśnie takich utworów mogłoby być tutaj więcej.

Bardzo dobrze wypada również energiczny „Chain Child”, utrzymany w klimatach Dio – z ostrym riffem, szybkim tempem i wyraźną pasją. Za takie momenty właśnie kocham Lions Share. Na płycie znajdziemy też przebojowy „Another Desire”, którego klimat przywodzi na myśl ostatnie wydawnictwa zespołu. Refren jest świetnie dopracowany i z pewnością sprawdzi się na koncertach. Gdyby cały album utrzymany był na takim poziomie, trudno byłoby narzekać. Całość zamyka nastrojowy, bardziej rozbudowany i stonowany „Run for Your Life”.

Lions Share niejednokrotnie udowadniali, że potrafią nagrywać wielkie albumy i tworzyć znakomite kompozycje. Dwie poprzednie płyty były prawdziwą ucztą dla fanów heavy i power metalu. Duet Nils / Lars dawał nadzieję, że nowy materiał dorówna tamtemu poziomowi. Nie jest źle – to wciąż bardzo dobry album – jednak wyraźnie słychać spadek formy. W efekcie, mimo solidnego poziomu, pozostaje pewien niedosyt.

Ocena: 8/10

IRON SAVIOR - Awesome anthems of the Galaxy (2026)

 

Iron Savior ostatnio wyraźnie się rozdrabnia i wydaje coraz więcej niezbyt potrzebnych wydawnictw. Najpierw pojawiła się składanka „Reforged”, a teraz przyszedł czas na album z coverami zatytułowany „Awesome Anthems of the Galaxy”. Tym razem zespół sięgnął po przeróbki przebojów z lat 80., dobrze znanych z radiowych playlist. Trudno jednak nie zadać sobie pytania: komu właściwie potrzebne są metalowe wersje utworów balansujących na granicy popu i dance?

Album traktować można raczej jako jednorazową ciekawostkę. Szkoda trochę, że zespół poświęca czas i energię na takie przedsięwzięcia, zamiast skupić się na tworzeniu nowego, autorskiego materiału. Płyta ukazała się 27 marca nakładem wytwórni Perception i zawiera aż 17 utworów, z których większość doskonale znamy ze stacji radiowych. Pojawia się więc pytanie o sens przerabiania popowych hitów na metalowe aranżacje. W wielu momentach brzmi to dość komicznie i sprawia wrażenie projektu zrealizowanego bardziej dla zabawy niż z artystycznej potrzeby.

Na plus można zaliczyć możliwość usłyszenia Pieta Sielcka w nieco innym repertuarze – trzeba przyznać, że wokalnie radzi sobie całkiem dobrze. Zespół zadbał również o atrakcyjną oprawę graficzną oraz solidne, dopracowane brzmienie. Niestety, mimo tych elementów całość nie robi większego wrażenia.

Na płycie znalazły się m.in. takie utwory jak „Take On Me” zespołu A-ha, „Maniac” Michaela Sembello czy „Forever Young” Alphaville. Słucha się tego bez większego bólu, jednak szybko dochodzi się do wniosku, że lepiej wrócić do oryginałów – autentycznych i najlepiej oddających klimat tych kompozycji. Nie wszystko da się przekonująco przerobić na heavy czy power metal. W efekcie powstaje momentami kiczowaty i mało przekonujący twór.

Szkoda, że Iron Savior, będący obecnie w bardzo dobrej formie, marnuje swój potencjał na takie projekty. Można tego posłuchać z czystej ciekawości, ale raczej na jednym odsłuchu się skończy. To wydawnictwo skierowane głównie do najbardziej oddanych fanów zespołu – kolekcjonerów, którzy chcą mieć w swojej dyskografii każdy album ulubionej formacji.

Ocena: 3/10

HELLRIPPER - Coronach (2026)

 

 Odkąd po raz pierwszy usłyszałem album  „Warlocks Grim & Withered Hags”, stałem się fanem twórczości brytyjskiego Hellrippera oraz talentu Jamesa McBaina. Trzeba przyznać, że potrafi on w niezwykle umiejętny sposób łączyć elementy black metalu, heavy metalu i speed metalu. Buduje mroczny, sugestywny klimat, tworzy chwytliwe kompozycje i wciągające melodie – wszystko zagrane z wyczuciem, pomysłem i dbałością o detale. Nie brakuje tu epickiego rozmachu ani świeżości. Hellripper już wcześniej powalił mnie na kolana, a poprzeczka została wysoko zawieszona w 2023 roku. Teraz najnowszy album, zatytułowany „Coronach”, który ukazał się 27 marca, okazuje się jeszcze ciekawszy, bardziej urozmaicony i dopracowany.

Wyraźnie słychać rozwój Jamesa w stosunku do poprzedniego wydawnictwa. Brzmienie jest soczyste, pełne mocy i agresji. Do tego dochodzi piękna, nastrojowa okładka – bogata paleta kolorów i dbałość o szczegóły sprawiają, że zapada ona w pamięć na długo. McBain po raz kolejny imponuje talentem. Sposób, w jaki operuje wokalem i buduje mroczny nastrój, naprawdę zasługuje na uznanie. W warstwie gitarowej również dzieje się wiele dobrego – jest agresywnie, dynamicznie, a zarazem niezwykle melodyjnie. Od pierwszej do ostatniej minuty coś się dzieje: pojawia się zróżnicowanie, zmiany tempa i element zaskoczenia. Płyta praktycznie nie ma słabych punktów. Miłym dodatkiem są także gościnne występy – choćby Marianny, która wspiera Jamesa wokalnie, dodając całości jeszcze więcej klimatu i mrocznej atmosfery.

Na albumie znalazło się osiem utworów, które łącznie dają około 44 minut muzyki na bardzo wysokim poziomie. Całość otwiera rozpędzony „Hunderprest” – energetyczna mieszanka thrashu, speed metalu i blackmetalowego klimatu, która doskonale pokazuje talent McBaina. Przebojowy „Kinchyle” imponuje agresywnym riffem, momentami przywodzącym na myśl twórczość Running Wild, oraz świetną dynamiką. To Hellripper w znakomitej formie. Z kolei „The Art of Resurrection” otacza słuchacza tajemniczym, niemal mistycznym klimatem, oferując przy tym wiele interesujących przejść i zmian tempa.

Dalej otrzymujemy agresywny i pędzący „Baobhan Sith”, w którym przenikają się elementy black metalu ze speedowo-thrashową energią. To świetnie skonstruowany kawałek, wręcz kipiący energią. Podobne emocje wywołuje żywiołowy „Blackk Satanik Fvkkstorm” – w takim wydaniu Hellripper sprawdza się wręcz idealnie. „Sculptor’s Cave” oraz „Mortercheyn” to kolejne dwa szybkie, bezkompromisowe killery. Finałem albumu jest rozbudowany i klimatyczny „Coronach”, który prezentuje wszystko, co w Hellripperze najlepsze. Pojawiają się tu również wyraźne wpływy heavy metalu, a nieco bardziej stonowane tempo działa na korzyść kompozycji. To naprawdę piękne zwieńczenie płyty.

Sposób, w jaki brytyjski Hellripper interpretuje i rozwija stylistykę black metalu, budzi duży podziw. Mieszanka heavy metalu, black metalu, speed metalu i thrashu została tu zrealizowana niemal bezbłędnie. Nowy album jest dojrzały, dopracowany i niezwykle melodyjny. Nie brakuje mu przebojowości, pomysłowości ani świeżości. Słychać oczywiście inspiracje takimi zespołami jak Venom, Sodom czy Slayer, jednak Hellripper konsekwentnie buduje własny, rozpoznawalny styl.

Ten album po prostu trzeba znać.

Ocena: 10/10

DARK HEART - Evolution (2026)

 

Brytyjski Dark Heart powrócił na dobre. Początki zespołu sięgają 1983 roku – już rok później ukazał się debiutancki album z muzyką osadzoną w kręgu NWOBHM. Grupa reaktywowała się w 2017 roku, jednak z czasem oddaliła się od klasycznego heavy metalu, kierując się bardziej w stronę nowoczesnego hard rocka.

27 marca ukazał się trzeci album studyjny zatytułowany „Evolution”. To wydawnictwo skierowane przede wszystkim do miłośników hard rocka w brytyjskim klimacie.

Od 2017 roku skład zespołu pozostaje niezmieniony. Na wokalu występuje Alan Clark, który znakomicie odnajduje się w rockowej stylistce. Przyciąga uwagę zarówno barwą głosu, jak i solidną techniką wokalną, nadając kompozycjom odpowiednią drapieżność i charakter. Gitarzysta Nick Catterick dba natomiast o właściwą hardrockową oprawę – buduje klimat, a jego brzmienie, choć nowoczesne, wyraźnie nawiązuje do klasyki lat 80. W muzyce zespołu można usłyszeć wpływy takich formacji jak Dokken, Demon czy Voodoo Circle, a momentami pobrzmiewają także echa Black Sabbath z okresu Tony’ego Martina.

Na uwagę zasługuje również okładka albumu – efektowna i sugestywna, idealnie oddaje charakter muzyki zespołu i od razu sugeruje, z jakim stylem mamy do czynienia.

Album rozpoczyna się bardzo mocnym akcentem – zadziornym „Light the Flame”, które od razu ujawnia potencjał grupy oraz jej zamiłowanie do hard rocka. Brzmienie jest klasyczne, a jednocześnie dopracowane w detalach. Bardziej stonowany, nieco radiowy „Cold Winter” pokazuje inne, łagodniejsze oblicze zespołu. Z kolei mroczny, lekko balladowy „End of Tomorrow” zachwyca klimatem i wyraźnie nawiązuje do patentów znanych z twórczości Black Sabbath z czasów Tony’ego Martina.

Melodyjny hard rock z dużą dawką AOR odnajdziemy w „Spread Your Wings”, gdzie Dark Heart świetnie odnajduje się w bardziej przystępnej, melodyjnej konwencji. Elementy heavy metalu pojawiają się w drapieżnym „Ride the Highway” – dynamicznym i przebojowym utworze o wyrazistej konstrukcji. Zespół potrafi tworzyć chwytliwe kompozycje, które łatwo zapadają w pamięć – świetnym przykładem jest „Life to Crucify”, prawdziwa perełka tego albumu.

Uwagę przyciąga także klimatyczny i melodyjny „Eyes of Light”, w którym ponownie pojawiają się wpływy hard rocka z nutą AOR. Całość zamyka chwytliwy i dobrze zaaranżowany „Burned”, stanowiący solidne zwieńczenie płyty.

Dark Heart po raz kolejny udowadnia, że ich powrót był trafną decyzją. Zespół odnalazł się w nowej rzeczywistości, stawiając na bardziej melodyjny rock z elementami AOR. Kluczową rolę odgrywają tu klimat, pomysłowe riffy oraz dbałość o przebojowość utworów. Efektem jest solidny, godny uwagi materiał, który z pewnością przypadnie do gustu fanom klasycznie brzmiącego hard rocka.

Ocena: 7/10

A HERO FOR THE WORLD - G.o.a.t (2026)

 

Od 14 lat działa projekt muzyczny A Hero for the World, prowadzony przez Jacoba Kaasgaarda. To radosny, podniosły power metal z wyraźnymi symfonicznymi akcentami. W muzyce słychać inspiracje takimi zespołami jak Avantasia, Majestica, Fellowship czy wczesny Helloween. Jacob nagrał już sporo płyt – wszystkie utrzymane na solidnym, rzemieślniczym poziomie, choć dalekie od perfekcji. Jak na projekt jednoosobowy i tak prezentuje się to całkiem przyzwoicie.

Niedawno ukazał się nowy album zatytułowany „G.O.A.T.”, zawierający premierowy materiał. Okładka, jak zwykle, jest przyjemna dla oka i doskonale oddaje stylistykę power metalu. Również brzmienie pozostaje spójne z konwencją gatunku. Jacob odpowiada zarówno za wokal, jak i całą warstwę instrumentalną. Do swojej pracy podchodzi starannie i wyraźnie stara się, aby materiał był możliwie atrakcyjny dla słuchacza.

Na płycie znajdziemy mieszankę różnych elementów – od power metalu, przez melodyjny heavy metal, aż po bardziej rockowe fragmenty. Rasowy power metal w duchu Helloween pojawia się w rozpędzonym „Year of the Dragon”. Może nie jest to nic odkrywczego, ale utwór słucha się całkiem przyjemnie i przywołuje skojarzenia z power metalem lat 90. Z kolei singlowy „The Greatest of All Time” to słodkawy, melodyjny heavy metal – solidny numer, choć trudno doszukiwać się w nim czegoś wyjątkowego.

Bardziej lekki i rockowy charakter ma „Unite”. To już zdecydowanie bardziej komercyjne granie, co zapewne wywoła narzekania wśród ortodoksyjnych fanów power metalu. Skoczny i pogodny „Playing with Fire” również ma w sobie pewną energię, choć do ideału sporo mu brakuje.

Na albumie znalazło się także sporo wolniejszych, spokojniejszych kompozycji. Więcej klasycznego power metalu powraca w utworze „Freedom”. Zamykający płytę „The Place Where Oceans Meet” potrafi zaskoczyć szybszym tempem i epickim klimatem – wreszcie pojawia się tu więcej mocy i rozmachu. Niestety jako całość album wypada dość przeciętnie i pozostawia pewien niedosyt.

Jacob realizuje swoje muzyczne marzenia i konsekwentnie tworzy własną muzykę – raz z lepszym, raz ze słabszym rezultatem. W tym przypadku mam jednak wrażenie przerostu formy nad treścią. Brakuje naprawdę wyróżniających się utworów, a większość materiału sprawia wrażenie pozbawionej energii i charakteru. Być może następnym razem będzie lepiej. Ten album można jednak bez większego żalu pominąć.

Ocena: 3/10